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En retrospectiva, a pesar de su vasta filmografía, el cineasta sueco Ingmar Bergman ha pasado a la historia por sus obras maestras, de corte más sombrío, psicológico y existencialista como ‘El séptimo sello’, ‘Persona’ y ‘Fresas salvajes’. Por ello, a veces es fácil olvidar que el director tuvo un sólido periodo creativo con la comedia romántica y el drama doméstico en el primer tercio de su trayectoria (una faceta que influenció a otros cineastas como Woody Allen). ‘Sonrisas de una noche de verano’ es uno de los mejores ejemplos del director trabajando a sus anchas en la comedia, con personajes enredados entre sí por sus deseos, vacíos y por las complejidades románticas que demandan sus corazones. Para quienes se hayan adentrado en la filmografía de Bergman por los trabajos antes citados, esta pieza de su filmografía temprana sin duda será una grata y refrescante sorpresa, llena de ánimo, humor e ingenio sin perder el suelo fatalista que caracteriza a su director.
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En retrospectiva, resulta extraordinario que esta sea considerada una de las obras maestras de la cineasta Agnès Varda, si se toma en cuenta que fue apenas su segundo largometraje. Para su momento, se trataba de una película sumamente innovadora, enmarcada en el vanguardismo de la “Rive Gauche” (contemporánea de –y en ocasiones paralela a– la Nueva Ola de Cine Francés). ‘Cléo de 5 a 7’ es una película que aborda en tiempo real 90 minutos en la vida de su protagonista –es decir, el tiempo del metraje es el mismo tiempo que transcurre en la narración–, con un enfoque feminista en temas como la mortalidad, la obsesión narcicista y el existencialismo. Sin duda, una de las obras cumbres del cine francés del siglo XX.
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Uno de los más grandes cineastas de la historia entregó uno de sus trabajos más personales y autorales con esta película –primer guion escrito únicamente por él en casi 50 años hasta ese punto–. Presentada en el Festival de Cannes de 1990, ‘Los sueños de Akira Kurosawa’ es una antología de ensoñaciones creadas por el influyente cineasta japonés a partir, supuestamente, de sus propios sueños, una colección de relatos cinematográficos que abordan temas desde la niñez y la relación de la humanidad con el arte, a la espiritualidad, la muerte y las transgresiones en contra de la naturaleza. Es la clase de película que, como los sueños mismos, es capaz de aferrarse a la memoria a pesar de sus cambios tonales drásticos.
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Si hablamos de debuts cinematográficos, pocos han sido tan contundentes y aclamados como el de la directora argentina Lucrecia Martel, quien luego de seis cortometrajes estrenó su primer largometraje en 2001, premiado en el Festival de Cine de Berlín. ‘La ciénaga’ es la primera entrega de lo que eventualmente se convertiría (no oficialmente) en la ‘Trilogía de Salta’, que en conjunto conforman un retrato de la decadencia de la clase media argentina, en el marco de décadas de crisis social y económica en el país. La decrepitud de los edificios, el agua estancada, y el hastío generalizado combinado con indiferencia de sus personajes, constituyen símbolos de una putrefacción moral de su pequeña pseudoburguesía. Indiscutiblemente, una de las obras cumbre del cine argentino y latinoamericano del siglo XXI.
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La dramatización idealizada (y francamente panfletaria) del amotinamiento del Potemkin en 1905, es producto de los tiempos en que se produjo esta película: en 1925, como una comisión conmemorativa del Comité Ejecutivo Central por los 20 años de la primera Revolución rusa. Pero son otros los motivos por los que ‘El acorazado Potemkin’ es una película histórica e influyente aún hoy. Su director, Serguéi Eisenstein, fue uno de los teóricos y grandes innovadores rusos del montaje, usándolo como herramienta para yuxtaponer potentes imágenes, y así crear significados y emociones (con claros fines ideológicos, hay que decirlo). La secuencia de las escaleras de Odesa es una de las más influyentes en la historia del cine, homenajeada por cineastas como Brian de Palma en ‘Los Intocables’, e inspiradora de secuencias cruciales en películas como ‘El Padrino’ de Francis Ford Coppola, ‘Brasil’ de Terry Gilliam, e incluso ‘Star Wars: La venganza de los Sith’. Un clásico esencial para los interesados en la historia y teoría cinematográfica.
